每天都和“图画”共生，我们到底是怎么看的，又看到了什么 #每周一书

我们每天都在和“图画”共生。手机屏幕上的一张照片、通勤路上的一幅海报、美术馆里的一幅油画、大银幕上的影像……这些视觉片段以意识之中或意识之外的方式对我们的生活与认知产生着或大或小的影响。我们如何理解图画，也影响着我们如何看待世界及自我。

尤其在当下这个视觉信息过载的时代，在“图画”更加深度渗透进所有人的生活的今天，我们或许已经习惯了快速浏览图像，却很少静下心来思考“我们为何这样看”。

2016 年，艺术家大卫·霍克尼（David Hockney）和艺术评论家马丁·盖福德（Martin Gayford）合作带来了这本《图画史》，他们打破了以往“艺术史”将绘画、摄影、电影等分类解读的思路，而将所有这些以图画形态存在的作品放在一起讨论，为我们带来了观看和理解图画艺术的新视角。

全书围绕着一个核心问题展开：如何将三维的人、物体和场所压缩到二维平面上？

这一命题其实贯穿了人类视觉表达的全过程。原始人用简单的线条勾勒猎物，文艺复兴画家借助透视法构建场景，摄影术的发明让人类学会定格瞬间，而数字绘画的兴起则让视觉表达拥有了更自由的可能……但它们无不是在用二维重现三维世界的模样。与此同时，观看与记录的方式也深度影响了我们对历史与世界的理解。

作为创作者，霍克尼热衷于实践不同的媒介，从油画、素描到摄影，再到晚年以 iPad 作画，几乎所有媒介的实践都有涉猎，也让他对图画的观看之道有了更深入的视角。

画面中的笔痕为什么会有意义？摄影术的出现如何影响了绘画艺术家的创作？为什么中世纪绘画突然“变平了”？中国画的长卷如何创造了完全不同的时空体验？图画呈现的是真相还是谎言？迪士尼动画片的定格画面和歌川广重的日本木版画有何关联？……所有的这些问题都有着非常大的可探讨的空间。

在这本《图画史》里，按时间线性或艺术类型铺展的传统的内容展开方式被打破，艺术家和艺术评论家的对谈成为了主线，加上精心编排的 310 幅图像，以一种轻松的方式邀请读者加入进来，重新“学习”观看。

而即便《图画史》的出版已经过去了 10 年（在国内是 2017 年 1 月由浙江人民美术出版社出版），但现在来看，这本书所探讨的内容不仅没有过时，反而更加应景。当我们对很多“图画”已经习以为常乃至无动于衷时，这本书在帮助我们找回视觉的敏感度，这也许是这本书最珍贵的价值。

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